《Domus》盘点50座必去的博物馆

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《Domus》盘点50座必去的博物馆

5月前

博物馆既包含历史，又是面向未来世代的当代工具，不能仅仅是文献或 “艺术化石" 的汇集，也不能只是过去杰作的静态和尘封的展示。

博物馆应始终是一个有生命的有机体，就像一个 “积极影响社会”的动态文化手段，一个“人类托儿所”，在这里，艺术的社会功能为社会所激活。

《Domus》从1928年至今的档案中盘点了50座必去的博物馆，其中既有现代建筑的基本项目，也有在 20 世纪 50 年代为国际博物馆学开辟新道路的意大利学派最具代表性的案例。设计和建筑博物馆也不例外，在这些博物馆中，内容和容器往往完美地融合成一件艺术品。专为单个艺术家或收藏家而建的博物馆或与艺术基金会相关的博物馆也很独特，它们在研究方法和实验内容的文化传播方面进行了创新。最后，还有一些新的标志性和象征性博物馆，特别是自 20 世纪 90 年代以来，这些博物馆开始系统地改造城市中心和郊区，使其成为具有吸引力和令人回味的场所，产生了强大的再生效应。

这些建筑往往是首次亮相的作品，是年轻建筑师的开山之作，凭借其公共性和表现力，成为了人们认识和参考的对象。因此，博物馆本质上是“展览机器”，其中展览活动是主要的，与建筑（永久性）一起，展览（临时性）的发展是根本。

Triennale Milano

意大利米兰，1933 年

如今，由于每三年举办一次国际展览，它被简单地称为 "米兰三年展"，这也是该机构成立于 20 世纪 20 年代初的初衷。不过，这座建筑曾有过一个更有意义的名字：Palazzo dell’Arte（公园）。

在这里，“艺术”涵盖了人类创造力、智慧、设计和美的各个方面，从设计到建筑，从视觉和应用艺术到舞台和表演艺术，无所不包。博物馆由乔瓦尼·穆齐奥设计，是一座独具匠心的建筑作品。它是意大利现代主义的基石，孕育了整个设计文化，促进了设计的诞生和发展。

这座独栋建筑的特点是圆形拱门，其形态紧凑而又充满活力，既不失纪念性，又不失有机性。博物馆内部提供多样化、模块化和灵活的空间，以适应各种艺术表现形式。从一开始的愿景就是在实体结构之前，就创造出无法被任何结构所容纳的作品，无论它们多么巨大、美丽或实用。这样，即使在大自然中，游客也能沉浸在艺术和建筑之中。

Museum of Modern Art (MoMA)
纽约现代艺术博物馆（MoMA）

美国纽约，1939 年

MoMA由三位富有远见的女性构思于 20 世纪 20 年代末，她们是慈善家和赞助人莉莉·普拉默·布里斯、玛丽·奎恩·沙利文和艾比·奥尔德里奇·洛克菲勒。它的诞生恰逢所谓现代艺术的兴起，反映了现代社会的兴起，纽约被视为所有领域进步的灯塔。

在长达十年的时间里，博物馆一直在租用的空间里举办展览，直到 1939 年才找到了永久性的馆址。这座建筑由爱德华·杜雷尔·斯通和菲利普·古德温设计，在整个世纪中不断扩大（进入新千年后，谷口吉生对其进行了重新设计），旨在满足不断发展的空间需求，同时避免标志性或纪念碑式的倾向。

在这一现代博物馆概念中，艺术以各种新颖多样的形式得以展现，包括建筑（著名的展览包括 1938 年的首届包豪斯展）、工业设计、摄影、戏剧，以及绘画、素描、版画和雕塑等传统媒介。博物馆最初的理念是提供一个与公众直接相关的 "作品试验场"。

Guggenheim Museum
古根海姆博物馆

美国纽约，1959 年

这是弗兰克·劳埃德·赖特大量作品中唯一的博物馆插曲，在经历了始于 1943 年的漫长而动荡的旅程后竣工。它是赖特 “有机建筑”理念的宣言，坐落于垂直城市的中心，俯瞰城市的中央绿肺。

博物馆最主要的创新是采用了分段式设计，参观者可以乘坐电梯直接上楼，然后沿着螺旋坡道缓缓而下。一路上，可以欣赏墙壁上的艺术品，也可以俯瞰内部中庭，看到一个由大型穹顶照亮的小型中央 “广场”。

关于建筑的影响（往往使其内容黯然失色）及其功能性的讨论——在弯曲和倾斜的墙壁上有效展示绘画作品所面临的挑战——活跃了关于艺术和建筑讨论。这些争论凸显了建筑师与客户之间复杂的关系。

The Whitney Museum of American Art
惠特尼艺术博物馆

美国纽约，1966 年

20 世纪 30 年代，惠特尼博物馆成为纽约第三大现代艺术中心，与MoMA和古根海姆博物馆齐名。惠特尼博物馆由富有远见的赞助人格特鲁德·范德比尔特·惠特尼创建，专门收藏美国出生的艺术家的作品。

马塞尔·布劳耶对博物馆最初的数千件藏品进行了设计，这些藏品是他历经三十年收集而来的。他的设计采用了大型倒置金字塔的形式，其特点是巨大的正交空间沐浴在人造光和天顶光中。“立体主义”开口点缀了整个建筑，使自然光得以进入，多个开口分布在北侧，主立面只有一个标志性的 XL 型开口。在这个气势恢宏的建筑体下面，是一个雕塑般的轻型悬臂天篷，延伸到通往入口门厅的吊桥上，并横穿雕塑花园。

20 世纪 80 年代，在Graves和OMA的扩建方案被否决后，扩建概念开始成形。最后，人们决定改变地点，并委托伦佐·皮亚诺负责这项任务。2015 年，博物馆数以万计的全部藏品在一座以反纪念性和功能性设计为特色的建筑中找到了新家。这座新建筑结构清晰、通透，被视为艺术的 "大工厂"，是位于新兴文化区和前工业区的 “社会浓缩器"。

Peace Memorial Museum
广岛和平纪念馆

日本广岛，1955 年

这是丹下健三在 Domus 杂志上的首次亮相。战后新一代日本建筑师崛起，他们掌握了一种新颖、清晰且普遍可理解的建筑语言。

为了应对原子弹造成的破坏，日本以博物馆为中心，着手创建一个公共和城市纪念馆，其中融合了各种建筑元素，包括被摧毁建筑物的废墟。这座线性建筑由多层面的柱子支撑，两面临着宽阔的公园。围墙内陈列着各种文物，讲述着这一悲惨历史篇章的故事，营造出一个既 “神圣”又世俗的空间--“战争受害者的纪念礼拜堂”。

Neue National Galerie
新国家美术馆

德国柏林，1968

新国家美术馆是路德维希·密斯·凡德罗的巅峰之作，标志着他离开德国作为包豪斯最后一任院长前往美国开启传奇职业生涯后回归祖国。作为他整个建筑理念的象征，该美术馆体现了一种“基本古典主义”的现代建筑风格，向卡尔·弗里德里希·舍林克尔和他的古代艺术专题博物馆所推崇的新古典主义理念致敬。

新国家美术馆位于二战后构思的新文化论坛的中心，这座城市在毁灭中重生，艺术以各种形式得以复兴。美术馆坐落在类似神庙的基座上，地下容器内设有永久收藏品，面向一个开放庭院，由高耸的墙壁保护。楼上，入口和临时展览位于一个平坦的方形屋顶下，形式纯粹且“古老”，但由黑色钢铁构成，带有玻璃幕墙，每侧延伸 50 米。八根宏伟的柱子，由工业钢材制成，点缀在建筑结构的角落，支撑着一块似乎漂浮在空间中的厚实板块，使整体保持通透。

在建筑师大卫·奇普菲尔德的领导下进行了一项繁琐的修复工作，于 2021 年完成，博物馆已恢复到原始的辉煌状态，每一个细节都被精心呵护。

MASP, Museu de Arte de São Paulo
MASP, 圣保罗艺术博物馆

巴西圣保罗，1968

莉娜·波·巴尔迪（Lina Bo Bardi）是现代建筑的真正热情倡导者，以激进和富有远见著称，同时关注设计作为公共工具的社会必要性。二战结束后，她与丈夫、艺术评论家彼得罗·玛利亚·巴尔迪离开意大利前往巴西，在那里定居，成为入籍公民，并合作建立了圣保罗艺术博物馆（MASP）- 这是第一座致力于现代艺术的博物馆，也是南美最大的欧洲艺术收藏馆。

该项目历时约十年，借鉴了博·巴尔迪在巴西各种背景下的多方面经验，最终创造出一座独特的桥梁状结构，其下方包含一个开放的公共空间。挑战传统博物馆建筑的惯例，博·巴尔迪构想了 MASP 作为一个“反博物馆”，摒弃了静态、分隔空间，转而采用野蛮主义的混凝土和玻璃结构，由两根大胆的红色结构“栈桥”支撑。在这个两层楼高的透明容器中，平面布局不受内部障碍物的限制，形成了不间断的流动空间。

波·巴尔迪还亲自策划了博物馆永久收藏品的布置，为游客提供一个自由、无导向的体验——与传统的线性路径不同，邀请积极参与和自由探索。

Louisiana Museum
路易斯安那博物馆

丹麦胡姆莱贝克，1958 年

路易斯安那博物馆坐落在风景如画的公园内，由一座新古典主义风格的老宅子（其名称即来源于此）和一系列相互连接的展馆组成，形成了一个有机的整体，其中心是一条连续的环形小路，小路蜿蜒穿过一个俯瞰北海的雕塑公园。

该博物馆由克努德·W·延森（Knud W. Jensen）于 20 世纪 50 年代中期创建并担任馆长，最初是推广斯堪的纳维亚现代艺术的重要平台。但它很快就扩展了自己的视野，成为国际当代艺术中心。几十年来，博物馆经历了不断的演变，由约根·波（Jørgen Bo）和维尔海姆·沃勒特（Vilhelm Wohlert）精心设计的新馆不断增建。

建筑群汇集了从绘画、雕塑到音乐、电影和设计等多种艺术形式。博物馆以其低调的建筑风格为特色，与周围的自然环境和谐共存，吸引游客进入室内和室外空间的完美融合。参观者会发现自己沉浸在一个在宁静和刺激之间取得微妙平衡的环境中，在放松之余还能沉思片刻。

Denver Art Museum
丹佛艺术博物馆

美国丹佛，1971 年

作为旨在振兴传统艺术中心以外地区的先锋博物馆之一，丹佛艺术博物馆矗立在落基山脉的壮丽背景下。

博物馆设计的核心是一座不对称的七层塔楼，塔楼的二十四个侧面装饰着三维多边形瓷砖，营造出令人着迷的光影效果。这些瓷砖就像 “捕光陷阱”，闪烁着光芒，反射着光线，将平凡的表面变成了发光的外墙。博物馆没有传统的窗户，而是采用了纵向和横向的狭长板条，既能遮挡和调节强烈的自然光，又能将城市和山脉的美景尽收眼底。博物馆大胆创新，故意与周围的建筑环境相背离——起初引发了争议——而是选择与天空、太阳和自然地形进行对话。

2006 年，丹尼尔-里伯斯金（Daniel Libeskind）对原有建筑进行了扩建，将尖锐的体量与展览空间连接起来。

Kimbell Art Museum
金贝尔艺术博物馆

美国沃斯堡，1972 年

路易斯·康的设计理念在金贝尔艺术博物馆达到了顶峰，形式与功能、比例、材质和光线在这里完美和谐地融合在一起。

博物馆坐落在一个城市公园内，由一系列低矮、平行、拱形的纵向空间组成，每一个空间都经过精心设计，以利用光的变化。康的愿景是创造一个环境，让收藏在其中的艺术品在古典和形而上的环境中得到升华。博物馆的主要照明光源是纯粹的天顶光，它从裸露的混凝土拱顶中心射入，通过起伏的穿孔铝反射器过滤后形成的开口。此外，更朴实的水平光线通过开放式内部庭院外墙的微妙切口以及外部混凝土和石灰岩外围渗入空间。

Centre National d’Art et de Culture Georges Pompidou
蓬皮杜艺术中心

法国巴黎，1977 年

这个项目立即成为类型创新的一个非凡案例，改变了世界各地许多新博物馆的命运。近 700 项设计参加了那次国际竞赛。由年轻的伦佐·皮亚诺和理查德·罗杰斯组成的小组提出了一个全新的 “展示机器”的激进想法，并最终胜出。

一艘巨大的宇宙飞船降落在巴黎这座古老的城市中，作为一个新的 “活动信息中心”，与整个世界的艺术、设计、文学、音乐和电影相结合，公开展示当代文化和未来。宽阔的斜坡广场通过空间的连续性创造出城市的统一性，通向主立面下的入口，高出地面五层。巨大的外露结构形成了水平的人行道，而对角线排列的楼梯则极具特色。

这座建筑，以及其漫长的酝酿和实现过程，最初都因其非常规的方案而引发了一些争议和抗议，因为在文化需要大胆前瞻行动的时代，这种方案具有相当大的破坏性。以至于时至今日，这座举世敬仰的博物馆仍然非常当代。

Musée d’Orsay
奥赛博物馆

法国巴黎，1986 年

又是一座巴黎博物馆，又是一座“意大利式”建筑。奥赛博物馆由 Gae Aulenti设计，由一个旧火车站改建而成，致力于展示 19 世纪的艺术作品，旨在通过后现代的细微差别来表达对馆藏作品所描绘的那个时代的敬意。由于艺术品具有重要的装饰元素，建筑风格选择了克制和形式上的精确，旨在将旧火车站熙熙攘攘的乘客人群转化为新博物馆内有序的参观人流。在大型照明和装饰的拱顶下，建筑边缘曾经单一和静态的结构变得立体和动态。这种转变得益于一个统一的分布系统，该系统沿着一个倾斜部分纵向排列，并设有上升台阶。这些艺术品被精心安排在不同的区域，促进了各种语言和技术之间的新联系，这些语言和技术既先于后来的前卫艺术，也启发了后来的前卫艺术。

Gallerie Comunali di Palazzo Bianco e di Palazzo Rosso
意大利热那亚，1949 - 1962年

二战结束后，意大利出现了一场由建筑师、城市规划师、历史学家、评论家和博物馆馆长参与的思想和文化对话。这一对话涉及历史中心的重建、古代与现代之间的相互作用以及作为文化机构的纪念性建筑的适应性再利用等重要议题。这些建筑中的许多几个世纪以来一直是私人住宅，后来被改作公共用途，成为向广大民众展示艺术品的场所。

弗朗哥·阿尔比尼（Franco Albini）是应对现代博物馆学挑战的先驱者之一，他富有远见的项目至今仍无与伦比。从 20 世纪 40 年代末开始，阿尔比尼设计并改造了热那亚的三座博物馆，为全球室内建筑和展览设计谱写了重要的篇章。阿尔比尼用最少的资源和清晰、深刻的概念创造了 “奇迹”。毕竟，设计师本人曾说过：“没有丑陋的物体”。

PAC, Padiglione Arte Contemporanea
意大利米兰 1954 年

米兰从未有过当代艺术博物馆，这也可以被视为过去与现在之间的矛盾。然而，米兰拥有另一种项目：一个没有藏品的自由空间。它可以被称为 "画廊"（Gallery），在欧洲则被称为 “美术馆"（Kunsthalle），基本上是一种灵活的建筑，专门用于举办临时性和实验性展览，研究艺术的现状。

二战结束后，伊格纳齐奥·加德拉（Ignazio Gardella）受邀在威尼斯门花园附近的皇家别墅（Villa Reale）马厩所占用的空间内设计 Padiglione Arte Contemporanea（P.A.C.）。展馆是一个不间断的连续空间序列，在三个不同的楼层有三个不同的区域：主要区域由高大、平行、模块化的过道组成，配有大型活动窗和漫射天顶光；上层展厅没有开口，自然光洒满墙壁；下层展厅配有大型窗户，可俯瞰私人花园。精致的室内建筑设计使各个区域之间自然流畅，多边形表面将空间 “展开”。

Musei Civici al Castello Sforzesco
斯福尔泽斯科城堡市政博物馆

意大利米兰，1956 年

第二次世界大战后，米兰斯福尔泽斯科城堡经历了大规模的重建、翻新和修复工作，其中包括围绕罗切塔广场（Cortile della Rocchetta）和公爵广场（Corte Ducale）重新组织市政博物馆画廊（Musei Civici galleries）。这座城市丰富的历史藏品与建筑之间的对话，实质上是博物馆中的博物馆，通过一长串物品，产生了新的空间动态，为整个城堡提供了沉思和流动的时刻。

在意大利建筑和博物馆学成为全球标准的时代，B.B.P.R.工作室在这个项目中写下了重要的篇章，以“建筑中的建筑”这一概念为核心，以米开朗基罗的《龙达尼尼的圣像》（Pietà Rondanini）为代表，创造了一个既复杂又有凝聚力的叙事。

1999 年，这座雕塑的魅力引发了一场关于其重新安装的国际竞赛，最终阿尔瓦罗·西扎（Alvaro Siza）的设计方案胜出，但该方案仍未实现。随后，在 2015 年，经过充满争议和批评的长期审议之后，决定按照 Michele De Lucchi 的设想，将《龙达尼尼的圣像》搬迁到一个独立的侧翼，构成一个由单件作品组成的独立博物馆。

Museo di Castelvecchio
卡斯泰尔维奇奥博物馆

意大利维罗纳 1956 年

当卡洛·斯卡帕（Carlo Scarpa）开始实施维罗纳卡斯泰尔维奇奥博物馆的修复和重建项目时，他已经展示出了在现有历史背景下举办临时展览和永久性展厅的精湛技艺和令人钦佩的工作能力。

在这件作品中，斯卡帕甚至更加认真地、长期地沉浸在战后新的博物馆理念中。在这种理念下，对于一个古老的容器，当代建筑对其进行研究、理解、改造和提升，甚至在新的干预和拆除方面做出让步，这在当时受到了批评，但幸运的是得到了实施。

他的作品至今仍堪称典范，其特点是将一些经过深思熟虑和设计的元素细化到最微小的细节，以增强作品和容器空间的效果。城堡各部分的路径都是高度衔接的，但在新入口附近的两个主要部分，一楼是雕塑展厅，二楼是绘画展厅，这里的每一个位置——每一个基座或支撑物——都经过了完美的研究和重新研究、设置和重新设置，直到在沉思停顿和运动之间找到适当的空间平衡。

Scuderie Ducali and Galleria Nazionale della Pilotta
意大利帕尔玛，1963 - 1983

在重建意大利艺术和建筑遗产的这些年里，帕尔马也出现了古代住宅博物馆化的问题。第一次干预涉及德拉皮洛塔宫（Palazzo della Pilotta）的古老马厩，自 19 世纪以来，艺术品逐渐进入马厩，取代了为法尔内塞家族服务的军人和总督。年轻的设计师吉多·卡纳利（Guido Canali）并没有想到要对建筑古迹进行防腐处理，而是让它参与到文化生活中来。将马厩改建成展厅的大胆设计，正视了 17 世纪的众多原始元素所带来的限制，这些元素在使用不当的情况下慢慢老化：于是采用了一个线性的中央平台，平台被隔离并抬高，内有各种装置，展板和展柜结构以及所有的点光源设备都固定在平台边缘。因此，展览表面，即覆盖着拉伸帆布的木板，从现有的周边分离出来。

20 世纪 80 年代中期，卡纳利再次为国家美术馆设计了一个更加雄心勃勃、气势恢宏的项目，该项目采用大型管状格子金属桁架、木板、拉索、走道和垫子来支撑所有展览元素，给人一种未完成作品的感觉，它在不断进步，是一个能够满足所有展览需求的适应性系统。

Pavillon Le Corbusier
瑞士苏黎世，1967年

这座博物馆最初以 “Maison de l'Homme”为名，旨在展示勒·柯布西耶的设计和建筑作品，是柯布西耶完成的最后一个项目。海蒂·韦伯曾是一家画廊的老板，负责推广柯布西耶的作品，她希望在这里建立一个像住宅一样的展览空间，一个可以居住和生活的地方，致力于解决当时新出现的建筑、城市规划和艺术问题。

在这位瑞士建筑大师的众多作品中，这个展馆是独一无二的，它是由一个完全由工业型材、金属板和玻璃组成的金属结构，围绕着内部楼梯的钢筋混凝土核心，在苏黎世公园中形成了一个俯瞰湖景的展馆。在由细长支柱支撑的对角多边形顶棚下，有一个由预制构件组成的独立立方体，其比例符合 Modulor 测量标准。不透明的水平或垂直玻璃板交替出现，并涂上各种基本色和原色。

Aalto Museum
阿尔托博物馆

芬兰于韦斯屈莱，1973 年

在芬兰的中心，在这个见证了 20 世纪最重要的设计师之一的建筑诞生和演变的小镇上，矗立着一座博物馆，其设计者正是这座博物馆的主人——建筑师阿尔瓦·阿尔托。

它最初是一座艺术博物馆，由阿尔托本人设计，旨在建立各种当代艺术与建筑之间的联系。参观这座以阿尔托的名字命名、专门用于展示他的设计思想的博物馆，不仅意味着沉浸在他个人的文献和历史世界中，或者沉浸在他的设计和建筑的专业世界中，而且也是一种空间体验，让参观者沉浸在一种整体化的艺术作品中。

Bauhaus-Archiv
包豪斯美术馆

德国柏林，1979 年

包豪斯是一所革命性的学校，在短短几年内改变了 20 世纪设计文化的进程。没有人比包豪斯学校的校长瓦尔特·格罗皮乌斯更适合设计这座博物馆了，他在职业生涯的最后时刻回到了自己的基本创作中，并想象出了一个地方来保存无数的文件和物品，让人们对包豪斯的记忆得以延续。

这座建筑最初是为达姆施塔特市设计的，在柏林的改建中融入了工业建筑的语言，在这里专门用于文化生产，棚顶的独特外形设计是为了充分利用自然光，使展出的作品受益匪浅。

Vitra Design Museum
Vitra 设计博物馆

德国莱茵河畔威尔 1989 年

这座由弗兰克·盖里（Frank Gehry）为瑞士家具公司 Vitra 设计的建筑，可以说是第一座专门展示工业设计的博物馆。该博物馆最初由 Vitra 公司几十年来积累的大量座椅和灯具收藏组成，后来转变为一个结构化的专题展览项目。随后，博物馆通过为这些展览创造市场，将其转化为一种可以投资的 “文化产品”，提供重复和改编，在全球范围内进行长期巡展。

该建筑是盖里在欧洲的第一个实现项目，附近还有一个工业仓库，它也是最早被认可的解构主义范例之一。不规则的体量由曲线形空间组成，这些空间在长度、宽度和高度上都有很大的伸展，目的是为了利用自然光，这立刻引发了艺术集装箱的问题，一些评论家希望艺术集装箱尽可能保持中立。

Teatro dell’architettura
瑞士门德里希奥建筑剧院，2017 年

马里奥·博塔在世界各地建造了众多博物馆，其中规模最大、最负盛名的无疑是旧金山现代艺术博物馆（1995 年）。然而，最近的这个项目真正证明了博塔在建筑教育方面的文化遗产的重要性。

该博物馆以 “teatro”（剧院）为名，以独特的方式展示建筑与其他学科（如设计、时尚、摄影、电影、舞蹈、音乐和文学）的无数变量和交叉。其结构让人联想到解剖剧场，不同层次的阳台环绕中央空间，为现场体验提供了不同的视角。其结果是一个整体的圆柱形结构，横跨地面三层，内部有一个空立方体，由众多画廊包围，面向高耸的全高空间，指定用于展览。顶部是一个发光的漏斗状天花板。

Lascaux IV - Centre International de l’Art Pariétal
“拉斯科四号”-国际岩洞艺术中心

法国蒙蒂尼亚克，2016 年

拉斯科（Lascaux）遗址是世界上最古老的 “博物馆”，大约两万年前，我们的祖先在这里绘制洞穴壁画，以纪念地球孕育的子宫中的一个仪式空间。这些绘画的起源和目的至今仍未完全明了，但这个神奇的地方代表了我们的设计、艺术和建筑文化最古老的起点。考古学和建筑学同根同源，在这里完美交汇：前者凝视过去，后者展望未来。

Snøhetta 和 SRA 的设计采用了紧凑蜿蜒的形式，在地面上形成了一个明显的裂缝，人工洞穴中的展览空间讲述了该遗址的古老历史。最令人惊叹的是，由Casson Mann工作室精心制作的天花板彩绘部分以忠实的三维场景重现，使参观者得以领略这一人类最早的艺术杰作的精髓，这也可能再次引发现代人对原创与复制的争论。

La Congiunta

瑞士Giornico，1992 年

这座特殊的建筑并不是一座典型的博物馆；不过，它可以被称为“雕塑之家”，是彼得·马克利（Peter Märkli）为瑞士艺术家和雕塑家汉斯·约瑟夫松（Hans Josephsohn）的作品设计的永久居所。这位建筑师最初并没有说自己是唯一的设计师，他强调说，有时候，建筑可以是 “集体行为的表达，而不是个人活动"。

这座展览馆孤立于哥达山脚下的田野之中，有些隐蔽。这个原始的钢筋混凝土结构，有三个不同高度的展厅和一个天窗脊梁，将光线捕捉并倾泻到光秃秃的室内。在这里，雕塑和浮雕在一种空灵和悬浮的氛围中找到了准确的位置，无论是在墙壁上还是地板上，或是以小组或个人的形式，或是在一连串的小壁龛中，都增强了作品及其与观察者之间的独特关系。北侧的一扇小门标志着入口。它几乎总是紧闭着，似乎无法进入。不过，只要到村里唯一的一家客栈去要一把钥匙，就能很快拿到。然后，游客就可以带着责任感，在孤独中自由地开始他们的艺术与建筑之旅。

Teshima Art Museum
丰岛美术馆

日本丰岛，2010 年

内容与容器、艺术品与博物馆之间的分界有时极其微妙。这座建筑由西泽立卫设计，与日本艺术家内藤礼合作构思和制作，内藤礼以其超简约主义作品而闻名，她的作品模糊了概念艺术与环境艺术之间的界限。

在日本濑户内海的一个小岛上，一层细长的钢筋混凝土膜形成了小山一样的曲线体量，在起伏的田野和森林中若隐若现。这是一个感官空间，在由两个大型圆形天窗点缀的拱顶下，营造出理想的氛围，让人沉浸在唤起自然现象的艺术作品中。

Iberê Camargo Foundation
巴西阿雷格里港，2008 年

这座博物馆是葡萄牙建筑大师阿尔瓦罗·西扎（Alvaro Siza）在巴西建造的第一座建筑，用于收藏巴西最重要的表现主义画家之一伊贝·卡马戈（Iberê Camargo）基金会的所有作品和活动。

除了在林木茂密的山坡上开发的地下部分（设有礼堂、图书馆和接待处）外，该建筑的核心部分是一个高耸、多面的白色混凝土棱柱体，共有四层，内设各种画廊，可俯瞰全高的内部空间。围绕着它展开的是一系列坡道和倾斜面，这是一条不同层次的建筑长廊，有时在内部，有时在外部。空中循环坡道与博物馆主体分离，像树枝一样悬挂在空中。游客在穿越这些坡道时，可以欣赏到周围奇特的自然景观，为博物馆勾勒出一个独特而不寻常的入口立面，使其成为俯瞰大河的一个极具吸引力的地标。

Yaoko Kawagoe Museum
川越美术馆

日本川越，2011 年

在东京的郊区，一座由私人委托、专门为日本画家Yuji Misu而建的小型博物馆成为整个地区的一个景点和汇聚点，并与附近的公众联系在一起。伊东丰雄没有放弃这个机会，他通过这个项目提出了一个类型学的、实验性的和特殊的想法，在这个项目中，小尺寸丝毫没有减少趣味性。

建筑平面呈正方形，内部以十字形和曲线划分出四个空间：两个用于接待和社区空间，两个用于绘画展览。一个大型抛物面锥体从下方突出，将人造光引入其中的第一个房间，而另一个抛物面锥体则从上方侵入，将自然光引入第二个房间。在入口、观赏、停留和思考的循环路径中，伊东将自己与外部环境隔离开来，但从城市参照物中发展出一个网格，他以一种几乎难以察觉但却敏感的方式，通过内部空间的体验来描述这个小型博物馆的特点。

Fondation Cartier pour l’art contemporaine
卡地亚当代艺术基金会

法国巴黎，1994 年

有一些建筑师将目光投向了非物质化建筑的乌托邦，让·努维尔（Jean Nouvel）就是其中之一，他用这座建筑创造了一个“公园中的幽灵”。

在高大的玻璃外墙围栏后面，就像一个大型的城市舞台布景，树木和郁郁葱葱的植物在这里显现、转换和反射，环绕、保护和整合着这座由纯技术打造的紧凑型建筑体。规则而纤细的钢结构和全玻璃外墙赋予建筑轻盈的感觉，使外部的有形边界变得模糊而飘渺。底层的双层展厅通透、开放、光线充足，外部花园的植被为每件作品的展出提供了自然的背景。努维尔希望在这里营造出一种内外关系紧密的环境。

Beyeler Foundation
瑞士里昂贝耶勒基金会，1997 年

受恩斯特·贝耶勒（Ernst Beyeler）委托，伦佐·皮亚诺（Renzo Piano）承担了一项非常复杂的任务，即利用尽可能多的自然光，确定与欣赏艺术品相关的主要空间品质。他设计了一个带玻璃盖的“封闭盒子”，在这个盒子里，自然、空间、光线和艺术品之间形成了最和谐的关系。在围栏公园边缘的一块狭长地带上，建筑师对围墙进行了典型化处理，将其分隔成多个空间：典型的“制造差异的机制”，变成了平等、社区和艺术集体体验的场所。因此，该地区典型的红石长墙决定了三个平行但相互穿插的中殿，一条自由而受保护的道路，偶尔向景观开放，如西面的冬季花园，俯瞰田野，为游客创造了一个放松的时刻。

博物馆的一侧是繁忙的路边，另一侧是宁静的花园，博物馆的两端有两片水域，可以反射来自南方的温暖直射光和来自北方的寒冷间接光。在内部，皮亚诺创造了一个真正的天蓬，就像大自然中的树梢一样，通过过滤技术自适应地减少太阳辐射，始终确保艺术品的最高质量视觉体验。

Palais de Tokyo
东京宫

法国巴黎，2002 年

Lacaton & Vassal 于 90 年代初首次提出了一种创新且极具现实意义的态度，不拆除，而选择经济地改善已建和翻新的建筑。这里曾是1937 年世界博览会的遗迹，采用了后期装饰艺术的纪念性语言，曾多次被重新使用和废弃，但始终是出于艺术目的。

Lacaton & Vassal 加强了现有建筑的所有表面缺陷，并在程序上使用了未完成的语言，在非常有限的预算的帮助下，创造了一个从 2002 年落成到 2012 年实际完工期间不断更新和逐步改造的空间。该空间以最小的投入，为城市紧急恢复了一个非正式的、灵活的容器，一个真正的当代艺术创作中心，在这里，艺术创作过程几乎是实时展示的，而不是产品，同时也是对当代艺术与其他学科关系的研究。

Stapferhaus
瑞士伦茨堡，2018 年

Stapferhaus 是当代最引人注目的博物馆之一，其文化和展览项目旨在解决当前问题，同时积极吸引公众参与。Stapferhaus 最初作为一个文化中心成立于 20 世纪 60 年代，最终于 2019 年在苏黎世的 Pool Architects（国际竞赛获奖者）设计的专用建筑中找到了自己的永久居所。

建筑布局与管理团队以研究为导向的方法天衣无缝地结合在一起。博物馆由三个大小和功能各异的体量组成，由醒目的黑色木结构和覆层将它们连接在一起，体现了现代美学。一个突出的露天凉棚界定了接待区，而相邻的入口塔则容纳了售票处、自助餐厅、书店和办公室等基本设施。后部最大的体量是展览区，横跨两层，可根据每次展览的需要灵活地重新配置楼梯、隔断、窗户和通道。在这座新博物馆中，除了传统的策展、组织和布展角色外，还加入了戏剧学——一门旨在促进最大程度的公众参与的学科。

Neue Staatsgalerie
新国家美术馆

德国斯图加特，1984 年

由詹姆斯·斯特林（James Stirling）设计的新国家美术馆（Neue Staatsgalerie）是博物馆开始转变为充满活力的城市综合体、使城市地区重新成为文化和社会中心的时代的典型代表。

这座博物馆被称为后现代建筑，其建筑语言反映了对社会复杂性的细微理解，以及对所处历史建筑环境的理解，尤其是在这座饱受二战摧残的城市。新美术馆毗邻建于 1837 年的新古典主义风格的老博物馆，采用了 U 型布局，同时引入了引人注目的新立面结构。通过一系列多层人行道，与城市景观形成了一种新的关系。宽阔的长条石白灰墙与划定通道和入口的彩色金属结构交相辉映，给人一种活力四射、平易近人的感觉。

Le Carré d’Art
法国尼姆，1992 年

在设计 Le Carré d'Art 时，诺曼·福斯特面临着一项重大挑战：如何将新与旧完美融合，同时创造出一种能够捕捉时代精神的建筑。这座建筑巧妙地将 20 世纪 80 年代媒体图书馆的典型类型—传统的书籍、杂志、音频和视频文件--与当代视觉、图像和雕塑艺术相结合。

Le Carré d'Art 位于尼姆市中心一座被拆除的新古典主义剧院的原址上，正对着保存完好的罗马神庙 Maison Carrée。这座建筑与城市环境和谐地融为一体，其外立面由细长的柱子支撑，悬臂屋顶一直延伸到地下室深处。在建筑内部，一个宏伟的中央“层叠式”楼梯通向一个宽敞的中庭，玻璃屋顶使自然光可以照射到较低的楼层。图书馆、档案馆和电影院设在这里，接待区则位于底层。在地面上，艺术画廊向游客招手，最后是一个设有全景露台的茶点区，在露台上可以俯瞰邻近的公共步行广场——整个建筑群的核心。

Kunsthal
荷兰鹿特丹，1992 年

Kunsthal 体现了雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）的标志性手法——融合了知识文化创新和挑战传统博物馆类型的建筑挑衅。它是一个多元的有机体，有着超越单纯结构界限的愿望，对城市内部的相互关系抱有更广泛的城市主义视野。

Kunsthal 美术馆位于鹿特丹繁华大道与博物馆公园的交汇处，其建筑风格有助于与城市环境完美融合。倾斜的平面和坡道横穿整个建筑，成为一条建筑长廊，在坡度和高差变化之间起着中介作用。这些错综复杂的平面和空间的结构构思 “从其节目中获得诗意的灵感”，容纳了一系列设施，包括一个礼堂、一个餐厅和三千多平方米的展览空间，其中既有宽敞的大厅，也有私密的画廊。

Groninger Museum
格罗宁根博物馆

荷兰格罗宁根，1994 年

亚历山德罗·门迪尼（Alessandro Mendini）与其兄弟弗朗切斯科（Francesco）和阿尔奇米亚（Alchimia）一起，在阔别多年后重返公共建筑领域，以罕见的语言、空间和文化复杂性进行干预。

博物馆位于运河上的一个新人工岛上，有两座连接市中心和火车站的人行天桥，门迪尼将其构想为“一个小而温和的艺术卫城或艺术方舟”。该项目立即吸引了其他建筑师的才智，他们每个人都被分配到一个独立的展馆。Michele De Lucchi、Philippe Starck 和 Coop Himmelb(l)au等建筑师也应邀参与其中，他们分别设计了博物馆的不同部分：考古和历史、应用和装饰艺术以及现代和当代艺术。门迪尼作为项目总监，负责公共空间的设计，并亲自设计了引人注目的金色入口塔楼，它既是档案馆，也是艺术品的存放处。

博物馆的设计根植于门迪尼所珍视的后现代复杂性和拼凑概念，是 “大教堂、舞台和家庭之间的干扰”。在其内部，不同的环境旨在将艺术作品呈现在活跃的、非中性的空间中，以激发好奇心和吸引注意力。

Getty Center
美国洛杉矶，1997 年

从亚特兰大到法兰克福再到巴塞罗那，理查德·迈耶曾多次致力于在世界各地设计创新型博物馆，但盖蒂中心无论从规模还是吸引力来说，都可以称得上是他的杰作。盖蒂中心是一座真正的艺术堡垒，是洛杉矶南部山丘上的一座当代卫城，从这里可以俯瞰地平线上的市中心和旁边浩瀚的大海。乘坐专门的轨道穿梭巴士，可以从谷底悄无声息地蜿蜒到入口层的门槛。

在这个僻静而又具有纪念意义的地方，一系列形态参照物被转化为网格，将等高的展馆排列在一起，创造出一个真正的小型城市飞地，广场、连接通道、室外和室内空间之间的无缝流动，以及花园、楼梯、遮阳庭院和阳光照射区。白色是建筑师的标志性色调语言，立方体和圆柱形结构与基座和网格交替出现，给游客带来身临其境的完整体验。

Guggenheim Museum
古根海姆博物馆

西班牙毕尔巴鄂，1997 年

弗兰克·盖里设计的毕尔巴鄂古根海姆博物馆是当代建筑的一个转折点。这座不朽的建筑在城市前工业区的重建中扮演了前卫的角色，通过使用新的计算机技术，塑造了极具吸引力的公众形象，成为了一座宜居的建筑雕塑。

在为 Vitra 设计博物馆进行首次博物馆干预多年后，盖里在构图、结构和材料方面都已成熟，这也推动他开展了许多其他标志性项目。值得注意的是，这个项目背后的基金会与纽约博物馆背后的基金会相同。这标志着一个旨在扩大其影响力和促进相关艺术文化价值的全球倡议的开始。这座建筑坐落在城市河畔，靠近连接市中心的一座大桥，既符合后现代主义建筑文化，又偏离了后现代主义建筑文化，在解构主义原则的启发下，留下了未来形态幻想的轻盈感，现在可以通过创新的建筑技术和工艺来实现。

这座博物馆的成功吸引了数以百万计的游客（并引发了关于建筑在为其所展示的艺术服务时应扮演的角色的批判性辩论），从而产生了被称为 "毕尔巴鄂效应 “的概念。在城市讨论中，这个词经常被用来描述建筑对城市地区再开发的诱惑力。

Kunsthaus
奥地利布雷根茨美术馆，1997 年

彼得·卒姆托（Peter Zumthor）已经让他的观众习惯于期待既严谨又奇妙的建筑作品，这些作品看似用最少的元素打造而成，但却能将自身的特点表现得淋漓尽致。

布雷根茨美术馆是为光和用光而设计的建筑的缩影，是视觉艺术博物馆的真正关键概念。通过一个巧妙的间隙系统，光线从四面八方涌入，水平穿透，照亮了各种单间空间的天花板，这些空间没有开口，堆叠在一起形成了一个玻璃塔。建筑的核心部分由钢筋混凝土制成，三面独立的正交承重墙将电梯隐藏起来，在每一层都形成了一个恒定的方形空间。外立面由无框架的玻璃板组成，用可见的夹具固定，排列得像瓦片。这样就形成了一个发光的平行六面体，从外面看低调而迷人，尤其是在夜晚散发出柔和的光芒时，而内部则保持中立和抽象，以避免影响艺术品的观赏和诠释。

这座半透明玻璃的立方体建筑距离湖岸仅几步之遥，就像城市沿岸的其他历史建筑一样，与世隔绝。它与一个较小的互补建筑和谐地搭配在一起，一层是书店和咖啡厅，二层是行政办公室。这种布置和整合创造了一个新的广场，属于新博物馆，是湖岸和历史中心的中间地带。

Moderna Museet
瑞典斯德哥尔摩现代美术馆，1998 年

拉斐尔·莫尼奥（Rafael Moneo）针对博物馆建筑的奇观，为这座建筑群提出了谨慎而实用的语言，但又不乏诗意。莫尼奥仔细考虑了从陆路抵达时的不同视觉效果——沿着通往建筑群所在岛屿的桥梁，博物馆与自然和周围建筑浑然一体，几乎难以察觉；而从海路抵达时，带有特色覆盖物的连续外墙立即显现出来。建筑群以红色和独特的展馆群为特色。外部主要是封闭的，偶尔会有突出的方形开口，作为沿路的指引，让人在休息的时候可以欣赏到全景。在被截断的金字塔屋顶上，许多立方体灯笼成倍增加，将自然光倾泻进房间。尽管这些空间采用了严谨的几何设计，但它们并不具有限制性；相反，它们有利于自由组织可用和灵活的空间。

Kiasma Museum
基阿斯玛博物馆

芬兰赫尔辛基，1998 年

基阿斯玛博物馆是史蒂芬·霍尔设计的第一座博物馆，在此之前，他只完成过几个项目，同时还经营着一个类似于工作室的小型工作室，负责概念设计和新颖的建筑理念。该项目以同时应对城市规划和博物馆挑战的最佳表现赢得了评选比赛。

该建筑旨在成为新城市格局的催化剂，促进人流量的增加，同时为直接的艺术体验提供宁静、光线充足的环境。光线在这座建筑中起着至关重要的作用，特别是考虑到赫尔辛基独特的光照条件，由于持续的气象变化，光照条件从来都不是恒定的，而且由于纬度较高，光照条件明显是水平的。反射的相互作用通常被视为间接引导自然光的一种手段。“基阿斯玛”（Kiasma）这个名字的词源暗示着交织，博物馆的设计中经常突出这一主题。这一点在外部形状和内部空间中都很明显，外部形状是对方向性元素进行精密分析的结果，这些元素与城市和人体尺度和谐地融为一体，在空间、艺术品和观察者之间找到了平衡。

Tate Modern
泰特现代美术馆

英国伦敦，2000 年

泰特现代美术馆是当代博物馆学的标志性建筑，以其宏伟的规模和创新的理念而闻名，在千年之交将一个废弃的工业用地改造成了一个充满活力的文化中心。除了其建筑意义，泰特现代美术馆还因其在城市复兴和社会凝聚力方面的作用而备受赞誉，是世界上参观人数最多的现当代艺术博物馆。

赫尔佐格和德梅隆的发电站重建项目巩固了他们作为当代领先建筑师的地位。他们对建筑的理解非常深刻，将建筑视为人、城市和文化的 “心理图谱"。他们设计理念的核心是通过非侵入式的方法创造温馨的空间。除了扩大北过道的画廊空间外，该建筑还采用了独特的白色玻璃体量，与巨大的红砖墙并置，并识别出新的元素，包括屋顶外部突出的平行六面体和内部的小灯箱，从而创造出私密的拱形空间，为人们提供安静的沉思时刻，并能欣赏到涡轮大厅中的艺术作品。从大厅内部看去，这些作品犹如空灵的光体，似乎悬浮在半空中。

Museu de les Ciències
西班牙巴伦西亚城市博物馆，2000 年

在圣地亚哥·卡拉特拉瓦诗意的视野中，变形和有机形式的存在始终代表着一种精确的美学追求，并被应用于建筑结构的概念中。水泥树、叉子、贝壳、椎骨、关节、嵴、眼睛、瞳孔和眼睑只是建筑师造型作品中的一些参考。设计师为自己的家乡巴伦西亚设计了一个不朽的文化和科学区，沿城市河流布置了一系列展馆和建筑，将其改造成一个长长的城市线性公园。在沿轴线排列的所有建筑周围都有水池环绕的大平面上，科学博物馆是最引人注目的主角，其复杂性和规模可能也是最壮观的。与之相伴的还有一个天文馆（Hemisfèric）和一个剧院（Les Arts），以及一个平行的服务建筑（Umbracle），其中包括地下停车场和一条植被遮蔽的线性高架人行道，在这里可以俯瞰整个建筑群的全景。

Jewish Museum Berlin
犹太博物馆

德国柏林，2001 年

1989 年，丹尼尔·里伯斯金在柏林市博物馆新犹太区的竞赛中胜出，2001 年正式开放，当时柏林墙已经倒塌，重新确定了城市的优先事项。对于身为犹太建筑师的里伯斯金来说，这座建筑是一份宣言，标志着柏林承认所有犹太公民的贡献，以及将大屠杀纳入城市记忆的重要意义。其结果是一个戏剧性的、抽象的、支离破碎的、充满象征意义的建筑体。

外墙由全高的镀锌金属板覆盖，带有不规则的斜切面，就像建筑体皮肤上的撕裂和伤口。入口位于毗邻的现有博物馆的巴洛克式建筑中。从地下室开始有三条路径：第一条通向 "大屠杀塔"，空旷而令人回味；第二条通向外面的花园，花园里有雕塑和装置；第三条沿着楼梯而上，通向专门用于记录整个历史进程的空间。从中世纪到今天，犹太人在德国的社会、政治和文化历史在这里得到了展示，并在战后的德国首次与大屠杀的影响明确地结合在一起。从 1999 年竣工到 2001 年开馆，博物馆一直空着，但向公众开放，无数参观者在空旷的空间中穿行和沉思，经历了一次“悲剧性的缺席顿悟”的强烈体验。

National Museum of Australia
澳大利亚国家博物馆

澳大利亚堪培拉，2001 年

为一个有着殖民地历史的年轻大国建立国家博物馆是一项细致入微的工作，需要对其所包含的不同历史保持敏感。ARM 工作室在设计中借鉴了理论参考和象征性意象，特别是澳大利亚错综复杂的历史，包括不同种族身份的交织叙述。缠结的概念是由线组成的一个结，它启发了建筑结构--一个由各种参考资料和连续隐喻组成的织锦。轴线、线条、缎带和一种公开的“无风格”方法，构成了一种不拘一格的美学，唤起人们的惊喜、参与甚至娱乐。

该建筑群位于国家议会对面湖泊中央的一片土地上，由四个不同的主要建筑组成，它们之间的关系错综复杂、充满活力和奇思妙想，围绕着一个 “梦幻花园”——一幅标有澳大利亚重要历史遗迹的大陆地图。

Pinakothek der Moderne
德国慕尼黑现代绘画陈列馆，2002 年

斯蒂芬·布劳恩费尔斯（Stephan Braunfels）是当地的一名建筑师，他在一次国际竞赛中脱颖而出，赢得了比赛，他的设计实用而不笨重，为艺术品展览提供了一个中性的空间框架。

这座新建筑位于慕尼黑博物馆公园的一角，汇集了四个不同类型的独立藏品：现代艺术、版画和图形、建筑和设计，并对它们进行了保存和展示。博物馆的建筑以长方形为基础，由混凝土和玻璃构成一个平行六面体，外立面是由纤细而富有节奏感的圆柱过滤而成的门廊，博物馆区与市中心之间有一条对角线相交。中央是一个圆形入口，由一个大型透明穹顶自然采光，内设主要服务设施，并通过大型扇形楼梯通向地下和地上各层的博物馆展厅。

Kunsthaus Graz
格拉茨美术馆

奥地利格拉茨，2003 年

Archigram将技术视为拯救和改革当代建筑的工具，在其富有远见和激进的经验问世近四十年后，格拉茨美术馆代表了第一个真正实现的建筑项目，即使过了这么多年，该项目仍然具有创新性。彼得·库克（Peter Cook）和科林·福尼尔（Colin Fournier）参加了国际竞赛，并赢得了实现这一多媒体博物馆项目的机会。

内部是一个黑盒子，充满了 “隐藏的可能性"，而外部则是一层技术和媒体薄膜。一个壮观的蓝色气泡，通过其巨大的发光像素改变其设计，并使其与周围环境的关系变得生动。外墙的概念已不复存在，因此，新的建筑体量是一个可以从三维角度解读其动态整体的外壳，而不再是静态的正交投影。新博物馆不是一个独立的实体，而是与已经存在的历史古迹融为一体，后者已经成为城市的地标，这表明未来的创新可以与令人难忘的过去进行舒适的对话。

21 Century Museum of Contemporary Art
21 世纪现代美术馆

日本金泽，2004 年

21 世纪的当代艺术博物馆，除了展示最新的作品之外，还有一个明确的目标，那就是创造新的文化，并使前来参观的社区得以再生，从而建立一座通向未来的桥梁。

SANAA习惯于通过图表和方案来制定计划项目，以便对空间进行清晰而直接的解读。它的外围完全透明，以展示内部活动，是一个持续开放和舒适的场所。博物馆没有立面（与这种类型的常见纪念碑式建筑相比，这是一个非常规的选择），从四面八方面向环境，与所处的花园和周围建筑的高度相称。完美的圆形平面与同样突出的圆形屋顶相呼应，形成了一个悬浮在离地面几米高处的 “飞碟”。在内部，一系列不同高度的房间（有些是露天的）勾勒出一个规则的网格，这种网格源自日本城市的典型布局。

实体与空隙、迂回通道的交替和互动，为这个由隔间和隧道组成的零散建筑群创造了一个灵活、不间断的流通空间。展览空间与图书馆、礼堂、实验室、办公室融为一体，而透明的滑动门墙则不时地关闭或打开一条新的通道。

MAXXI, Museo per le arti del XXI secolo
MAXXI，21 世纪艺术博物馆

意大利罗马，2009 年

在这座拥有世界上最悠久历史的城市中建造新博物馆综合体的想法诞生于 20 世纪 90 年代末，当时的意图是将一大片废弃的区域（以前是军事用地）重新改造为意大利第一座专门展示 21 世纪艺术和建筑的公共博物馆。

扎哈·哈迪德和她的助手帕特里克·舒马赫（Patrik Schumacher）凭借一个大胆的项目赢得了竞赛，但由于官僚主义的原因，这个项目的酝酿期非常漫长。在一个紧凑的 L 型地块上，构思了一个城市基础设施，它就像一个插入物，随时准备向新的参与空间提出推动性的转变。城市规划和生成网格交错投射到地面上，构建出博物馆的内部通道和外部体量，这些体量是博物馆的直接投影，产生了巨大的几何和形式复杂性。其结果是一条隐喻性的混凝土河流，流经主要水流（即展厅），并分支到次要水流（即连接处）：质量的分层、力场、悬臂式悬浮体，同时还由罕见的薄金属加固导管支撑，形成具有瞬间垂直性的透水隔膜。

Museumsinsel
德国柏林，2009 年

这座博物馆的历史既悠久又蕴含着丰富的内涵，是德国作为一个统一国家的基础。自 19 世纪中叶起，人们就决定在这里建立一个艺术和科学的庇护所，一个最终向公众开放的文化论坛。在柏林市中心的小岛上，有五座新古典主义风格的博物馆建筑，专门用于展示绘画、雕塑、考古和应用艺术。随着 1989 年柏林墙的倒塌，人们克服了与第二次世界大战有关的悲惨事件以及随后的城市分裂，决定将这个地方作为最终实现统一并与世界和平相处的文化中心。

竞标的过程和程序漫长而麻烦，但最终大卫·奇普菲尔德负责制定总体规划，并为展览和现有博物馆的连接建造一些新的服务建筑。通过对可识别的、相互渗透的结构的想象，以及在修复和翻新之间长达十年的漫长而耐心的工作，这些干预措施的特点是谨慎、注重形式和几何的连续性，以及加强原有结构，使其重新为艺术服务。

Plateforme 10

瑞士洛桑，2021 年

Plateforme 10是欧洲最新的综合博物馆改造项目，它将洛桑火车总站附近的铁路货场改造成了一个充满活力的文化中心。这项雄心勃勃的工程包括两个项目，横跨三座博物馆，是一个漫长过程的顶点，旨在通过一个艺术氛围浓厚、步行友好的区域，以宽阔的广场为装置艺术和活动场所，重振洛桑市的活力。

第一个完工的项目是巴罗齐·维加（Barozzi Veiga）设计的州立美术馆，位于与铁轨平行的地块南部边缘。该博物馆收藏了该市的古代、现代和当代视觉艺术藏品，以及来自不同基金会的捐赠。建筑的特点是重建了一堵不透明的墙，将机车库房原有的中央屋檐的一部分融入其中。面向广场的立面由平行的隔墙组成，隔墙上有控制的开口，自然光可以从北面射入。

由艾雷斯·马特乌斯（Aires Mateus）设计的第二座建筑使整个建筑群更加完整，其中包括两座博物馆。建筑底层由一个共同的中庭连接，从外观上看，建筑体量简洁紧凑，隐藏着一个洞穴式的内部空间，其构造裂缝既是入口，也是光源。这个建筑奇迹与标志着街区尽头的长条形步行广场相呼应，为城市文化项目加冕。

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来源：良仓

《Domus》盘点50座必去的博物馆

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